HONG KONG SAR – Media OutReach Newswire – deTour Design Festival, yang diselenggarakan oleh PMQ dan didanai oleh Kantor Pengembangan Industri Budaya dan Kreatif (sebelumnya dikenal sebagai Create Hong Kong), akan diadakan mulai tanggal 29 November hingga 15 Desember 2024 di PMQ Central. Tahun ini, jumlah hari pameran ditambah secara khusus menjadi 17 hari, gratis dan terbuka untuk seluruh peminat desain, pelajar, dan umum. deTour 2024 akan menampilkan kreasi unit desain lokal dan internasional melalui pameran berskala besar, lokakarya, dialog desain, dan tur berpemandu, serta mengeksplorasi makna lebih dalam tentang bagaimana desain terhubung dengan dunia batin.

Tema deTour 2024: Memiliki'Menjadi: Merancang Dunia Batin

Desain telah lama dipandang sebagai instrumen untuk memecahkan masalah. Adonian Chan, Kurator deTour 2024 terinspirasi oleh buku To Have or To Be karya Erich Fromm, seorang psikolog. Ia menemukan bahwa dengan kemajuan metode produksi dan kelimpahan material, desain secara bertahap telah menjadi alat untuk menghasilkan keinginan, dan nilai seseorang dinilai berdasarkan kepemilikan mereka. Perubahan ini menggema konsep “mode of having” Erich Fromm dalam bukunya To Have or To Be. Fromm berpendapat bahwa masyarakat sering menilai nilai seseorang berdasarkan kepemilikan mereka. Namun, dia menegaskan bahwa nilai sejati terletak bukan pada apa yang kita “miliki” tetapi pada siapa kita “adalah”— “mode of being”.

Dalam deTour 2024, Kurator dan para desainer akan mengungkap kemungkinan-kemungkinan yang belum banyak dijelajahi dalam desain, menekankan bagaimana desain memperkaya kekuatan batin seseorang. Tidak hanya desain yang menyajikan tampilan sebuah lingkungan atau produk, tetapi juga menjadi katalis untuk pertumbuhan batin, kesejahteraan, dan ekspresi kreatif seseorang. Melalui pertimbangan dan kurasi yang cermat, serta lingkungan, produk, dan pengalaman yang disediakan dalam deTour2024, acara ini bertujuan untuk membantu orang-orang menciptakan ruang dan alat yang mencerminkan diri sejati mereka dan memberikan inspirasi untuk dialog dan koneksi yang lebih mendalam.

Dimulai dari Courtyard:

Membuka Dialog dan Koneksi dengan 17 Instalasi dan Pameran

deTour2024 menampilkan total 17 instalasi dari desainer lokal dan luar negeri di seluruh PMQ. Berjalan melalui terowongan masuk ke halaman, pameran fitur “Air-Scape”, “Capturing Qi (')”, dan “Passage to the Lake”, dari tiga kelompok desainer muda lokal dan luar negeri, mengungkapkan jalan untuk refleksi. Instalasi lainnya dipamerkan melalui halaman, Taman Hollywood, dan tingkat-tingkat tertentu di Blok A. Setiap instalasi adalah dialog untuk pertumbuhan batin, memungkinkan kita untuk merenungkan bagaimana desain telah mempengaruhi hidup dan lingkungan kita, termasuk karya-karya eksperimental yang mengeksplorasi kemungkinan baru melalui deTour 2024. Selain itu, festival desain selama tujuh belas hari ini memiliki 40 lokakarya dan 13 sesi Creative Voice, membawa serangkaian pengalaman menarik gratis kepada publik.

Kolaborasi Internasional: Kimchi and Chips —— “REWORLD Type 2”

Didirikan pada tahun 2009 oleh seniman berbasis Seoul, Mimi Son dan Elliot Woods, Kimchi and Chips terkenal karena menggabungkan seni, teknologi, dan filsafat. Instalasi besar mereka mengeksplorasi persimpangan cahaya, ruang, dan persepsi, menciptakan pengalaman imersif yang memburamkan batas antara kenyataan dan ilusi.

“REWORLD Type 2” adalah layar perkotaan inovatif yang membangun gambar bukan dengan LED tradisional, tetapi dengan menggabungkan fragmen-fragmen dari lanskap kota di sekitarnya. Layar perkotaan telah menjadi bahan utama dari lingkungan binaan, dan digunakan untuk mengkomunikasikan ide, menyampaikan ambisi, memberikan instruksi, dan berkontribusi pada penciptaan estetika dan mitologi sebuah kota. Kimchi and Chips mengutip Donna J. Haraway, “Cerita apa yang membentuk dunia, dunia apa yang membentuk cerita.” REWORLD adalah layar yang menghasilkan gambar hanya dari elemen-elemen yang ada di kota, membayangkan kembali dan mendaur ulang realitas menjadi pesan dan ide-ide baru. Layar ini beroperasi menggunakan lebih dari 1.000 mikro-prisma yang digerakkan oleh motor presisi, yang secara selektif membiaskan lingkungan sekitar untuk membentuk gambar-gambar baru, menampilkan “reworld” yang menakjubkan.

Pameran Unggulan:
Tentang Sikap Hidup – Keseimbangan, Feng Shui, Penjing, dan Danau

  1. Wich Chau, Match Chen — “Tempat Keberadaan”
    Wich Chau adalah seorang desainer Hong Kong yang mengadopsi pendekatan eksperimental dalam merancang furnitur, ruang publik, dan seni instalasi, menyelami potensi lingkungan perkotaan melalui pertanyaan-pertanyaan yang menggugah pemikiran. Karyanya “Wave of Growth” ditampilkan dalam buku yang diterbitkan oleh MoMA berjudul “Uneven Growth@2015”. Sejak tahun 2020, ia telah mencoba melukis dengan cat minyak, menggambar elemen-elemen fiksi ilmiah, surealisme, dan imajinasi futuristik untuk memprovokasi kontemplasi tentang alam semesta dan keberadaan. Match Chen, salah satu pendiri KaCaMa Design Lab di Hong Kong, memiliki pengalaman luas dalam desain berkelanjutan dan berfokus pada komunitas serta berdedikasi untuk mempromosikan kerajinan lokal dan kreasi artistik. Karyanya, “Flawless Failure” dan “Bamboo-Copter Pavilion”, telah dipamerkan di PMQ, Museum Sejarah Hong Kong, dan lain-lain.

“Tempat Keberadaan” adalah sebuah instalasi interaktif yang mengeksplorasi keseimbangan rumit antara “Memiliki” dan “Kehilangan”, serta “Keseimbangan” dan “Ketidakseimbangan”, melalui pengalaman dan interaksi pribadi para peserta. Di tengah instalasi ini terdapat sebuah timbangan, yang diletakkan di atas karpet biru. Peserta, dalam kelompok satu hingga tiga orang, bergiliran menambahkan kayu ke timbangan, dengan tujuan menjaga ketenangan batin dan keseimbangan. Jika terlalu banyak kayu ditumpuk atau jika pusat gravitasi bergeser, semuanya di timbangan akan terbalik. Tim berharap bahwa pengalaman interaktif yang sederhana ini akan menerangi konsep-konsep abstrak namun nyata dalam kehidupan, seperti “Dalam”, “Luar”, “Menerima”, “Menolak”, “Keseimbangan”, dan “Ketidakseimbangan”. Tim berharap bahwa pengalaman ini akan mendorong peserta untuk merenungkan perjalanan mereka menuju “menjadi” dan menemukan keseimbangan dalam hidup mereka.

  1. Future Soil X Laurence Lee — “Air-Scape”

Dibentuk pada tahun 2023 oleh Arthur Cheung, Carolyn Tam, dan Yvonne Wong, tim ini mengeksplorasi hubungan antara budidaya tanaman tradisional dan teknologi yang muncul, menggabungkan eksplorasi material dan fabrikasi digital untuk merancang struktur bio-reseptif yang terintegrasi dengan spesies tanaman. Proyek mereka, yang dipamerkan di festival desain deTour 2023, menunjukkan bagaimana bentuk kehidupan dapat mempengaruhi desain komputasional, menawarkan perspektif baru tentang interaksi antara alam dan lingkungan binaan serta mendorong kita untuk memikirkan kembali bagaimana kita membentuk lingkungan kita. Laurence Lee King Man telah mempelajari penjing di bawah beberapa master di Hong Kong sejak tahun 2000. Sekarang sebagai Ketua Asosiasi Penjing Hong Kong, dia mempromosikan budaya penjing. Lee juga seorang pelukis tinta Cina dan mengkurasi pameran seni. Penjing adalah bentuk seni yang menarik yang tumbuh dan berubah seiring waktu.

“Air-Scape” mengintegrasikan busa tanpa tanah dengan bentuk cetakan 3D berlubang, memungkinkan bentuk wadah yang dapat disesuaikan yang mendukung berbagai spesies tanaman. Pendekatan holistik ini menghubungkan penjing tradisional dengan desain komputasional dan fabrikasi digital, menawarkan kemungkinan geometris baru untuk bentuk seni ini.

  1. Yoojin Chung — “Capturing Qi (')”
    Yoojin Chung adalah seorang desainer Korea lintas disiplin yang karyanya mencakup berbagai media, termasuk objek, instalasi, dan penelitian spekulatif. Setelah menyelesaikan studinya di The Bartlett School of Architecture, UCL, ia meraih gelar MA dalam Desain Kontekstual di Design Academy Eindhoven. Yoojin mengintegrasikan eksplorasi konseptual dengan metodologi desain inovatif untuk membayangkan kembali interaksi dinamis antara materialitas, bentuk, dan pengalaman manusia. Karyanya menantang gagasan konvensional dan mendorong perspektif baru tentang interaksi sehari-hari. Dia mempromosikan diskusi seputar tema sosial, budaya, filosofis, dan psikologis, serta menciptakan platform untuk refleksi kritis, dan dia terus menyelidiki jalur baru dalam seni dan desain di berbagai konteks.

“Capturing Qi (')” menawarkan kritik satir terhadap kebiasaan yang berkembang seputar feng shui pasca-modern, mempertanyakan bagaimana feng shui mempengaruhi kehidupan, lanskap, dan budaya orang Asia. Alat ini “menangkap” Qi di dalam kapsul transparan, berfungsi sebagai alat fisik yang berorientasi pada visi yang menawarkan perspektif baru tentang mengendalikan kesuksesan dalam hidup dengan substansi tak terlihat, Qi, untuk menggabungkan konsep feng shui Timur dan Barat, menghadirkan dialog budaya yang unik dan perspektif desain.

  1. Moon Seop Seo — “Passage to the Lake”

Moon Seop Seo adalah seorang desainer Korea yang tinggal di Eindhoven, Belanda, lulus dari Design Academy Eindhoven pada tahun 2021 dengan proyek-proyek seperti “Passage to the Lake” dan “The Ephemeral Wall”, meraih gelar cum laude. Tak lama setelah lulus, ia mendirikan studionya sendiri, berkolaborasi dengan berbagai museum dan galeri desain. Dia sering menjelajahi persimpangan budaya, filosofi, dan estetika Timur dan Barat. Dia bangga dengan kemampuannya yang puitis untuk membangkitkan suasana tertentu yang menyampaikan pesan dan beresonansi dengan penonton. Dia menggambarkan konsep desainnya sebagai: “Saya ingin karya-karya saya membangkitkan imajinasi kita dan meninggalkan tanda seru dalam kehidupan sehari-hari kita.”

“Passage to the Lake” mengambil inspirasi dari efek menenangkan pada pikiran saat berdiri di tepi danau. Dia bertujuan untuk menghormati esensi air hidup dan memanfaatkan potensinya di lingkungan perkotaan dengan menciptakan pengalaman spasial yang memungkinkan orang menikmati momen relaksasi. Dia mengundang pengunjung untuk menyaksikan tetesan air jatuh ke genangan, di mana ia hidup kembali, memungkinkan mereka merasakan ritme menenangkan air di tengah hiruk-pikuk kota.

  1. PROYEKSI PERKOTAAN — “Being Between Inner and Outer”

URBAN PROJECTION adalah sebuah kelompok kerja yang didirikan oleh Junxiang Zhang dan Xiaoxu Zhao, yang mengeksplorasi kesenjangan antara kemanusiaan dan lingkungan binaan. Melampaui desain spasial tradisional, kelompok ini berfokus pada aspek-aspek tak kasat mata dari kehidupan—persepsi, kesadaran, dan kekuatan tak terlihat yang membentuk realitas kita melalui teks, gambar, dan ruang untuk membangun kembali pemahaman baru tentang kehidupan kita.

“Being Between Inner and Outer” adalah sebuah instalasi spasial. Prototipe ini menampilkan dinding berbentuk U yang membatasi ruang dalam dan luar. Ditempatkan di antara ruang-ruang ini, dinding tersebut berfungsi sebagai metafora spasial untuk diri. Dari luar, instalasi tersebut menyerupai sebuah patung. Bentuk poliedralnya menyajikan berbagai identitas, bergeser dengan setiap perspektif. Di dalam ruang tertutup berbentuk U, tercipta ruang intim untuk interaksi pribadi. Di antara ruang dalam dan luar, terdapat tempat tenang untuk kesendirian di tengah keramaian sekitar, yang diperindah oleh pantulan kehijauan. Ungkapan “Bunga di cermin, bulan di air” (''', ''') membangkitkan gagasan bahwa segala sesuatu di dunia ini adalah ilusi. Namun, ilusi-ilusi ini—seperti pantulan di cermin—dapat berfungsi sebagai gerbang menuju alam metafisik yang lebih dalam, yang mengajak penonton untuk merenungkan hubungan interaktif antara diri batin seseorang dan dunia luar.

  1. Sandy Choi — “Being Transferred”

“trans(RE)SONANCE” menyajikan pengalaman interaktif yang memerlukan partisipasi aktif dari para pengunjung. Pengunjung harus mengendalikan intensitas gerakan tali yang terhubung pada perangkat sensitif cahaya melalui senter di lingkungan yang tenang, mencapai desain yang secara teknis sederhana namun secara visual efektif. Ini membawa pengalaman sensorik yang istimewa dan memungkinkan pengunjung berpikir mendalam tentang hubungan antara aktualitas dan potensi.

Sandy Choi, seorang desainer grafis dari Hong Kong yang lulus dari London dengan gelar Desain Grafis dari Saint Martin's School of Art, telah bekerja dan aktif selama dua dekade terakhir dan telah meraih banyak penghargaan lokal dan internasional. Dia mendirikan konsultan desainnya sendiri, Sandy Choi Associates (sekarang Sandy Eddie Tommy Associates) pada tahun 1997. Dalam beberapa tahun terakhir, selain menjadi juri dalam berbagai kompetisi desain internasional, Sandy juga telah menjadi dosen paruh waktu dalam desain grafis di Universitas Politeknik Hong Kong dan HKU Space, yang didedikasikan untuk membina generasi desainer berikutnya.

Seperti yang pernah dikatakan oleh Anaïs Nin, seorang penulis terkenal asal Amerika, “Kita tidak melihat sesuatu sebagaimana adanya, kita melihatnya sebagaimana kita adanya. Hal yang sama dapat dikatakan tentang barang koleksi dan kepemilikan: Kita tidak membeli barang karena apa adanya. Kita membeli barang untuk apa yang kita miliki. Sebagai seorang desainer, Sandy Choi telah mengumpulkan barang-barang selama bertahun-tahun, dan selama lima tahun terakhir, ia telah membagikan beberapa barang ini di Instagram, menggabungkannya dengan refleksi pribadi. “Being Transferred” menampilkan 33 item dari koleksinya bersamaan dengan postingan Instagram yang sesuai, mengeksplorasi pergeseran dari “memiliki” ke “menjadi”—sebuah undangan bagi para penonton untuk membawa beberapa makna dan ide ini bersama mereka, mengintegrasikannya ke dalam rasa keberadaan mereka sendiri.
Entri Terpilih: 12 Karya Seni Terpilih melalui Rekrutmen Terbuka.

  1. Studio Anthony Ko — “Casa Destruct”

Studio Anthony Ko terutama terlibat dalam arsitektur, desain spasial, instalasi, dan proyek komunitas, mendekati dunia dengan lensa teoretis. Melalui manifesto, studio ini mengeksplorasi aspek-aspek provokatif dari arsitektur, bereksperimen dengan tema-tema seperti keterikatan tempat, psikologi lingkungan, dan pelestarian budaya. Baru-baru ini, Studio Anthony Ko telah fokus pada merancang ruang di lingkungan terpencil dan pengasingan, dengan penekanan kuat pada kesejahteraan dan koneksi emosional. Pendekatan konseptual studio dalam menanamkan makna di ruang-ruang terlihat jelas dalam proyek-proyek seperti “Station by the Sea” (Oku-Noto Triennale), “Disintegration” (SMACH Biennale), Fragile World (Sai Kung Hoi Arts Festival), After Seventeen Days (detour 2022).

“Casa Destruct” mereplikasi akibat dari sebuah rumah milik tuan rumah anonim, yang ditinggalkan dalam reruntuhan setelah sebuah bencana yang tidak diketahui. Sisa-sisa, “Casa Destruct”, memprovokasi kita untuk merenungkan kehidupan dalam keadaan simulasi kehancuran ini. Apakah hantu atau keberadaan rumah itu bertahan, membela gagasan bahwa suatu materi tertentu tetap ada (atau dipertahankan) atau bahkan dihidupkan kembali setelah penghancuran bentuk fisiknya… Atau apakah semuanya hilang ketika rumah itu runtuh' Karya ini memungkinkan orang untuk berpikir dalam-dalam tentang keadaan “ada” menjadi keadaan “memiliki” dan menafsirkan ulang gagasan “rumah”.

  1. Ford Cheng, Vinzan Leung — “DIVINE”

Ford Cheng adalah seorang seniman spasial muda yang menjanjikan yang lulus dari Guangzhou Academy of Fine Arts dan meraih gelar master dari Universitas Hong Kong dengan fokus pada arsitektur. Ketertarikan utamanya terletak pada menggabungkan arsitektur, seni, teknologi masa depan, dan kecerdasan buatan. Ford percaya bahwa integrasi ini dapat menghasilkan desain yang tidak hanya interaktif tetapi juga berdampak emosional, menjadikan ruang sebagai bagian penting dari kehidupan orang-orang. Karyanya mendorong inovasi dalam seni spasial dan mendorong audiens untuk membayangkan seperti apa masa depan kehidupan. Vinzan adalah seorang seniman spasial muda yang imajinatif dan saat ini terdaftar dalam program Magister Arsitektur di Universitas Hong Kong. Dia berdedikasi untuk secara kreatif menggabungkan arsitektur dengan desain interaktif, mencari cara untuk menyatukan seni, teknologi, dan desain berpusat pada manusia dengan mulus. Dengan hasrat terhadap aplikasi kecerdasan mekanik dan buatan, Vinzan mengeksplorasi jalan baru untuk meningkatkan pengalaman pengguna, mengubah ruang menjadi ekspresi emosional daripada sekadar lingkungan fungsional.

“DIVINE” menampilkan kerangka dasar bersama dengan beberapa cermin, masing-masing mewakili aspek unik dari diri sendiri. Gerakan instalasi bervariasi dalam kecepatan berdasarkan jarak antara penonton dan sensor. Saat penonton mendekat, refleksi mereka terlibat dalam dialog dengan identitas mereka sendiri. Bentuk instalasi berubah secara dinamis dengan partisipasi penonton, merayakan kebahagiaan “ada”. Pengalaman interaktif setiap penonton adalah unik. Diharapkan pengalaman ini menginspirasi penonton untuk merenungkan perbedaan antara “memiliki” dan “menjadi”, yang pada akhirnya mengarah pada pemahaman ulang tentang makna hidup.

  1. JONO Craftspace — “Hz Lab”

JONO Craftspace adalah studio desain yang didirikan oleh desainer Paul Chung dan Dino Cheung pada tahun 2019, dengan konsep “A Space for CRAFTING and Crafting SPACE”. Awalnya didirikan sebagai bengkel kerja kayu, tempat ini berfungsi sebagai platform untuk mengeksplorasi ide-ide desain dan menciptakan prototipe eksperimental, mencakup segala hal mulai dari pengerjaan kayu skala kecil hingga eksplorasi arsitektur.

“Hz Lab” adalah sebuah karya eksperimental yang mengingatkan kita bahwa esensi musik ditemukan bukan pada alat musik yang kita miliki tetapi pada momen-momen yang kita bagi. Dengan merangkul konsep “menjadi” daripada “memiliki”, kita membuka diri kita ke dalam ranah di mana kreativitas berkembang, dan hubungan menjadi lebih mendalam. Eksplorasi artistik ini memungkinkan kita untuk menemukan kembali kekuatan transformatif musik dan dampak mendalamnya dalam hidup kita. Dalam dunia yang semakin terasa terfragmentasi, inisiatif seperti “Hz Lab” menginspirasi kita untuk memprioritaskan koneksi dan kreativitas, menumbuhkan rasa memiliki dan persatuan melalui suara. Pada akhirnya, proyek ini mengubah persepsi kita tentang musik dan hubungan kita, menciptakan kenangan abadi yang bergema jauh melampaui nada yang dimainkan.

  1. Naonori Yago — “Imitative Behavior: In the Footsteps of My Daughters”

Naonori Yago, born in Shizuoka in 1986, graduated from Musashino Art University with a degree in Visual Communication Design in 2008. He joined Hakuhodo in 2009 and has been affiliated with SIX since 2014. His notable awards include the Tokyo ADC, JAGDA New Designer Award, D&AD, NY ADC, and ONE SHOW.

“Imitative Behavior: In the Footsteps of My Daughters” is a collaborative series from Naonori Yago and his daughter. They have always been creating drawings and paintings since his daughter was three years old. In this exhibition, Naonori Yago chooses some of his daughter's drawings, scans them, and then traces her lines with dots on the computer. These works showcase the changes of the strength of her arm movements, resulting in lines that can be faint or bold. Through graphic designs, he tries to capture and express these features of the unexpected lines. To Naonori Yago, this experience has been incredibly enriching for him as a creator. While many artists draw inspiration from the past—histories, movements, or previous creators—he finds himself inspired by the future through his daughter's creations.

  1. Island Works — “ISLAND LIGHTS”

Didirikan bersama oleh Chi dan Leroy, Island Works adalah inisiatif kolaboratif yang berasal dari ketertarikan bersama mereka terhadap pulau-pulau di Hong Kong. Island Works bertujuan untuk mendokumentasikan dan mengarsipkan pulau-pulau ini, yang pada akhirnya menciptakan perpustakaan digital yang didedikasikan untuk mereka. Melalui kunjungan langsung, pemindaian 3D, dan fotografi, proyek ini bertujuan untuk menangkap dan melestarikan esensi setiap pulau, mengubah elemen-elemen ini menjadi platform publik yang menarik. Didukung oleh hibah awal Design Trust, Chi dan Leroy sedang mempersiapkan peluncuran publik, memperkuat hubungan antara visi kreatif mereka dan lanskap alam yang menginspirasi mereka.

Pulau-pulau membangkitkan rasa ingin tahu alami kita untuk menjelajahi yang tidak diketahui. Pada zaman kuno, nenek moyang kita melakukan ekspedisi berani untuk mencapai tanah-tanah terpencil ini, menginvestasikan upaya besar dalam membuat peta, membangun kapal, dan membangun jembatan ke pantai-pantai yang jauh. Berbagai bentuk desain dan konstruksi tidak hanya mengurangi jarak antara pulau-pulau tetapi, yang lebih penting, menciptakan jembatan komunikasi yang menghubungkan kita secara emosional. Desain memfasilitasi koneksi. “ISLAND LIGHTS” menyoroti sekitar 200 pulau di Hong Kong, terdiri dari panel akrilik dan masing-masing dicetak dengan data point cloud dari sebuah pulau untuk menciptakan instalasi arsip interaktif yang mengingatkan pada rak laboratorium. Melalui fotografi dan pemindaian 3D, mereka mendokumentasikan fitur-fitur unik seperti formasi batuan yang mencolok dan medan yang bervariasi. Karya ini mengambil pendekatan arkeologis dan arsiparis untuk mengeksplorasi masa lalu pulau-pulau tersebut, sambil juga mengisyaratkan masa depan spekulatif melalui estetika digital dan teknologi. Keterkaitan antara pelestarian dan inovasi ini membayangkan kembali bagaimana intervensi desain yang penuh pertimbangan dapat membentuk peran pulau-pulau yang berkembang di kawasan ini—dan, pada gilirannya, kehidupan kita.

  1. Ng Chak Lam — “The Club”

Chaklam Ng adalah seorang seniman suara dan penemu alat musik yang berbasis di Hong Kong, dengan pengalaman lebih dari 15 tahun dalam desain. Dia adalah pendiri kolektif desain suara Oblik Soundwork, yang mengeksplorasi persimpangan antara suara, rekayasa, dan desain interaktif. Karya terbarunya, “Pause Rec Play 2.0”, adalah instalasi suara interaktif yang ditayangkan perdana di Clockenflap 2023. Proyek-proyek Chaklam sering menekankan keterlibatan komunitas, dan instalasi publiknya telah dipamerkan di tempat-tempat terkemuka seperti K11 Musea, PMQ, dan Central Market.

“The Club” adalah mesin pinball bergaya arcade yang dirancang untuk hingga empat pemain. Selama permainan, bola pinball bertabrakan dengan berbagai bumper, menghasilkan pola ritmis yang unik dan berkembang secara dinamis yang bervariasi di setiap putaran. Untuk menangkap produk suara unik ini, desain memanfaatkan interaksi kinetik dari pinball untuk memicu perpustakaan sampel musik yang telah direkam sebelumnya, seperti pukulan drum, yang diintegrasikan dan diputar ulang secara mulus dalam antarmuka turntable digital. Dengan cara ini, gerakan pinball yang tampaknya acak dan tidak terduga berubah menjadi komposisi musik yang baru dan menarik, dengan setiap mesin menampilkan kumpulan sampel suara yang khas untuk meningkatkan keunikan pengalaman tersebut. “The Club” secara efektif menggabungkan kegembiraan permainan arcade dengan ekspresi kreatif musik, memungkinkan pemain untuk melampaui permainan tradisional dan terlibat dalam penciptaan musik yang otentik.

  1. New Common — “Paviliun Rakyat”

New Common dibentuk oleh sekelompok alumni dari Bartlett School of Architecture di University College London. Selain latar belakang pendidikan dan profesional mereka yang sama dalam arsitektur, mereka terhubung secara mendalam oleh hasrat bersama untuk mendokumentasikan arsitektur melalui berbagai media—mulai dari desain spasial dan komunikasi visual hingga desain game dan pengalaman interaktif. Panggilan terbuka deTour 2024 ini telah memberikan mereka kesempatan untuk bersatu kembali dan mengeksplorasi kemungkinan desain bersama.

“Paviliun Rakyat” dirancang sebagai ruang untuk penemuan diri, refleksi, dan penerimaan. Melalui penggunaan warna yang dinamis, masing-masing mewakili tingkat kepuasan peserta atau “rasa” dalam berbagai aspek kehidupan, paviliun ini menciptakan metafora yang hidup untuk kompleksitas emosional. Warna-warna ini, yang berinteraksi dengan cermin dan pencahayaan, membentuk lanskap berlapis, menggambarkan bahwa kesejahteraan emosional adalah tentang menemukan keseimbangan di antara semua perasaan daripada memprioritaskan satu perasaan saja. Mempromosikan keaslian emosional, paviliun ini mendorong pengunjung untuk mengeksplorasi dan mengekspresikan seluruh spektrum emosi mereka, bahkan dalam momen kepahitan atau kekecewaan. Instalasi kolektif ini menangkap pemikiran internal peserta melalui interaksi yang menyenangkan, menciptakan kenangan bersama bagi komunitas. Ini menunjukkan bagaimana sebuah paviliun dapat berfungsi sebagai cerminan dari lingkungan sosial dan budaya di sekitarnya, serta sebagai ruang untuk berkumpul dan berdialog. Dengan mengubah emosi individu menjadi narasi visual, karya ini berupaya merevolusi cara komunitas mengekspresikan dan memperkuat ikatan mereka dengan menyumbangkan perasaan mereka ke ruang yang terus berkembang.

  1. half AND half Studio — “trans(RE)SONANCE”

half AND half Studio adalah studio arsitektur dan desain yang berbasis di Hong Kong, yang terdiri dari Charles Kwan, Henry Au, dan Aurora Wong sebagai tim proyek. Studio ini menawarkan berbagai layanan yang mencakup desain arsitektur yang inovatif dan integratif, perencanaan ruang, desain interior, dan instalasi seni.

  1. Chang Hoi Wood & Tang Chi Tat & Li Hong Ting — “Unfinished Project”

Chang Hoi-wood, Tang Chi Tat, dan Li Hong Ting adalah para kreator dari Hong Kong yang masing-masing memiliki latar belakang profesional dan pengalaman kreatif dalam arsitektur, desain, dan filsafat. Chang Hoi-wood belajar Master Arsitektur di Universitas Tiongkok Hong Kong, yang berdedikasi untuk mengoordinasikan proyek pembuatan tempat dan teknologi seni; Li Hong Ting adalah salah satu pendiri kelompok promosi filsafat Corrupt The Youth, belajar Desain di Universitas Politeknik Hong Kong dan Filsafat di Universitas Tiongkok Hong Kong; dan Tang Chi Tat adalah seorang desainer yang bersemangat tentang desain lanskap dan pameran, dengan gelar di Desain Lingkungan dan Interior dan baru-baru ini menyelesaikan Master Arsitektur Lanskapnya. (MLA).

“Unfinished Project” berusaha mengeksplorasi pengaruh timbal balik antara manusia dan objek. Benda-benda dapat membentuk identitas kita, dan pada gilirannya, kita dapat membentuk benda-benda di sekitar kita. Pengguna aktif adalah pencipta; mereka membentuk ulang objek, mengintegrasikannya ke dalam identitas mereka. Sebuah pena, misalnya, hanya ada sebagai pena ketika digunakan untuk menulis; tanpa tindakan itu, ia hanyalah sebuah objek. Ini mengungkapkan bagaimana ketidakselesaian individu dan objek saling terkait dengan rumit.

  1. Victoria Dong — “Bagaimana jika saya punya satu kesempatan lagi'”
    Victoria Dong adalah seorang desainer interdisipliner perintis yang menggabungkan pemikiran dan prinsip desain dari arsitektur serta tekstil kontemporer. Dengan mengeksplorasi persimpangan antara material dan ruang, dia menggunakan teknik tekstil untuk mendorong batas-batas desain, mendukung inklusivitas dan kreativitas dalam semua proyeknya. Melalui perpaduan prinsip-prinsip arsitektur dan seni tekstil, desain inovatifnya menciptakan rasa kesatuan antara waktu dan tempat, mencerminkan sifat identitas yang cair dan multi-dimensi. Saat ini berbasis di Heatherwick Studio di London, dia memamerkan karyanya di Alveston Gallery di London, Royal Birmingham Society of Artists untuk Pameran Berhadiah 2022 dan menciptakan instalasi untuk Hong Kong Museum of Art dan K11 Art Mall.

“Bagaimana jika saya memiliki satu kesempatan lagi'” menggunakan mesin pinball sebagai metafora, mendorong orang untuk menemukan kembali diri mereka yang autentik melalui permainan. Ini mengeksplorasi pertanyaan: Bagaimana “saya” menjadi “diri saya sendiri”' Dalam pengalaman interaktif ini, pemain diundang untuk membayangkan diri mereka sebagai bola, memulai perjalanan yang penuh dengan liku-liku, belokan, dan rintangan. Lintasan balap, yang mewakili ruang untuk refleksi diri yang berkelanjutan dan eksplorasi batin, sepenuhnya dapat disesuaikan—para pemain dapat menambahkan atau menghapus objek di sepanjang jalur. Setelah setiap putaran, wawasan baru mungkin muncul, menginspirasi perubahan pada lintasan dan memicu kreativitas lebih lanjut. Dalam analogi ini, bola melambangkan kehidupan seseorang, sementara lintasan balap mewakili perjalanan hidup kita. Rintangan mencerminkan kepemilikan yang kita kumpulkan. Melalui keterlibatan yang menyenangkan, kita dapat merangkul perjalanan pribadi kita dan elemen-elemen yang membentuknya.

Program Baru untuk Orang Tua dan Anak dari deTour 2024 — “deTour Kids”
Untuk meningkatkan kesadaran publik tentang inspirasi yang dibawa oleh desain dan kreativitas dalam perkembangan anak, deTour bekerja sama dengan PMQ Seed dan Creativekids meluncurkan program baru untuk orang tua dan anak, “deTour Kids”, yang mencakup “deTour Kids' Morning tour” dan “Family Crest Workshop”.

“deTour Kids' Morning tour” melalui tur interaktif dan mini-game yang menarik, memperkenalkan anak-anak dan orang tua kepada beberapa karya terpilih dari deTour 2024 dengan cara yang mudah dipahami.

Selain tur berpemandu, acara ini juga menyediakan pengalaman desain orang tua-anak untuk menciptakan “lambang keluarga” yang unik. Naonori Yago, desainer Jepang dari pameran “Imitative Behavior: In the Footsteps of My Daughters” dan putrinya akan berpartisipasi sebagai tamu dalam satu sesi publik pada 30 Nov, mendorong orang tua dan anak untuk merancang bersama, mendapatkan inspirasi dari satu sama lain!

Lokakarya dan Suara Kreatif

Tidak hanya festival desain deTour 2024 yang menampilkan instalasi dan pameran berskala besar, tetapi juga mencakup berbagai lokakarya, seperti lukisan enamel, patung unik dari ampas kopi berskala kecil, desain cetakan aksesori, dupa, pencetakan kolagraf, dan penanaman.

Selain itu, peserta akan memiliki kesempatan untuk terhubung dengan desainer internasional dan lokal serta profesional industri lintas disiplin melalui Creative Voice, mendengarkan wawasan mereka dan memahami lebih lanjut tentang hubungan antara desain dan psikologi, feng shui, alam, musik, dan lainnya.

Semua kegiatan dapat didaftarkan secara online, mengundang publik untuk menjelajahi kemungkinan tak terbatas dari desain bersama-sama.

Tur Terpandu dan Pemandu Tur yang Beragam

Berbagai tur berpemandu akan diadakan selama deTour 2024 seperti, Kurator, Adonian Chan, dan rekan-rekan pencipta, Anthony Ko, Victoria Dong, dan Ng Chak Lam. Beberapa desainer dan pencipta dari berbagai profesi seperti Kit Chan, penulis “Hong Kong Knowhere”, Corrupt The Youth, dan Pan Tang, pendiri Midway, akan menjadi pemandu tur. Melalui perspektif dan cakrawala yang berbeda, mereka membawa pengunjung untuk menjelajahi sorotan-sorotan dalam pameran dan memahami cerita-cerita di baliknya serta inspirasi yang mendasarinya.

Daftar untuk berpartisipasi dalam program publik deTour 2024. Peserta yang menyelesaikan kegiatan akan memiliki kesempatan untuk menerima suvenir eksklusif deTour 2024.

Untuk informasi lebih lanjut tentang festival desain deTour 2024 dan program publik, silakan ikuti pembaruan kami di media sosial, dan kunjungi situs web: https://detour.hk/2024

deTour 2024 – festival desain
Tanggal: 29 November 2024 – 15 Desember 2024
Jam Buka: 11:00 pagi – 8:00 malam
Tempat: PMQ, 35 Aberdeen Street, Central, Hong Kong
Masuk: Gratis
Situs web: https://detour.hk/2024